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sábado, 17 de septiembre de 2016

Gertrude Stein




Aunque nació y pasó su juventud en Estados Unidos, fue en Europa donde primero se reconoció su innegable talento. Su profundo aprecio por el arte, especialmente la pintura y su exquisita intuición le permitieron descubrir talentos ignorados, que luego serían reconocidos mundialmente. Su vasta obra literaria le valió ser considerada una de las grandes escritoras del siglo XX.

Su nombre resulta familiar a los amantes de la pintura por el famoso retrato que hizo de ella Picasso. Pero pocos saben que se trata de una escritora norteamericana que contribuyó a renovar la literatura de su país durante el primer tercio del siglo XX. 

También son pocos los que conocen el destacadísimo papel que le tocó desmpeñar en la historia del arte contemporáneo. La fama de quienes la rodearon y de quienes ella contribuyó a formar o a revelar al mundo oscureció en cierta forma la suya propia. 

La familia Stein residía en Allegheny, cuando nació Gertrude en 1874. Como disfrutaban de un buen pasar, poco después de nacer la niña, los Stein se trasladaron con sus hijos a Europa, como solían hacerlo en aquella época las familias más adineradas. Visitaron primero Viena, pasaron luego por París, y finalmente el padre decidió volver a Estados Unidos, para instalarse en California. 

Allí Gertrude comenzó a leer hasta convertirse en una lectora voraz por cuyas manos pasó una infinidad de volúmenes. La vida de los Stein transcurripo sin sobresaltos, hasta que murió la madre, y un año después, el padre. 

Gertrude tenía entonces 18 años. Con sus hermanos se trasladó entonces a Baltimore, en la costa atlántica. Gertrude asistió por entonces a los seminarios del famoso psicólogo y filósofo norteamericano William James, quien la inició en los secretos de la escritura automática (es decir, la que se escribe sin intervención de la voluntad consciente) mucho antes de que los surrealistas la pusieran de moda. 

Por su parte, William James quedó muy impresionado por la inteligencia de su discípula y la aconsejó que estudiara medicina y se dedicara a la investigación. Gertrude intentó seguir su consejo y cursó esa carrera durante cuatro años, al principio con resultados brillantes, pero a medida que avanzaba en sus estudios advirtió que la medicina no era su vocación, y ya próxima a graduarse, la abandonó para dedicarse a las letras y al arte. Decidió tomarse un descanso y se embarcó junto a su hermano rumbo a Londres. 









Una vez en Londres, Gertrude se pasaba los días leyendo a autores de la época isabelina en el Museo Británico. Comenzó también a escribir y ya nunca dejaría de hacerlo. En 1903, en común acuerdo con su hermano, resuelve trasladarse a París. Gertrude se instala en el número 27 de la Rue Fleurus, una dirección que sería pronto famosa entre los artistas. 

Durante una estadía en Florencia, el hermano de Gertrude oyó hablar de un pintor llamado Cézanne, cuyos cuadros se hallaban arruinados en la trastienda de un marchand. 

Adquirieron primero un pequeño paisaje. Luego se interesaron por los grupos de desnudosdel pintor. Entre tanto, merced a la acción desinteresada de Gertrude y su hermano, los cuadros de Cézanne empiezan a ser conocidos y aumentan de valor. Los hermanos llevan también a su casa dos Renoirs, después dos Gauguins, un Daumier, y más tarde un retrato de mujer de Cézanne. Esta última adquisición es importante porque Gertrude se inspiró en ese retrato para escribir una serie de novelas cortas que tituló Tres vidas y que se publicó en 1909. 







Los muros de la Rue de Fleurus se fueron cubriendo. En la exposición del Salón de Otoño los Stein, con certero ojo crítico, descubren a Matisse, quien había presentado a la muestra un retrato de mujer que fue el hazmerreir de la expisición. Pero a Gertrude le encanta y lo compra: es el retrato hoy mundialmente famoso de La mujer del sombrero

Apenas los Stein tocan a un pintor con su varita mágica, éste se valoriza. Así sucede con Matisse, que paulatinamente va despertando la curiosidad y el interés del público. Gertrude y él se hacen amigos, y gracias al pintor, la casa de la calle Fleurus empiza a ser frecuentada por toda la bohemia de París. 

Un nuevo descubrimiento se suma a los anteriores: en una oscura galería Gertrude y su hermano tropiezan con un cuadro de un tal Pablo Picasso que los fascina. Lo compran en seguida e invitan a la Rue de Fleurus al entonces desconocido pintor español, con quien entablan una íntima amistad. 

Después de Picasso acuden Braque y Juan Gris, padres del cubismo. Gertrude es el lazo de unión entre todos ellos: aunque no publica sigue escribiendo y afinando su expresión, los artistas, por su parte, no dejan de apreciar la exactitud de sus observaciones y juicio equilibrado. 




"Gertrude Stein, 1874 - 1946, escritora norteamericana. Vivió aquí con su hermano Leo Stein, y más tarde con Alice B. Toklas. Ella recibió a un gran número de artistas y escritores entre 1903 y 1938"



Picasso se ofreció a retratarla y la escritora acepta complacida. Nace así una de las obras más admiradas del pintor español, donde se reflejan los diversos matices de la personalidad fascinante de Gertrude. 

En 1907 comienza a vivir con Gertrude una mujer callada, fiel e inteligente, Alice B. Toklas que nunca se separará de ella. En 1933, como homenaje a Alice, Gertrude escribe La autobiografía de Alice B. Toklas, libro que, según la autora, debió de haber escrito Alice, pero que, por pereza, le encomendó esctibir a ella. La obra es una magnífica fuente de información para quienes se interesan por el arte de principios de siglo. 

La casa y la tertulia de los Stein se va haciendo célebres y también son visitados por la aristocracia, pero la Primera Guerra Mundial dislocó brutalmente ese clima de esteticismo e ilusorio progreso indefinido. 

La guerra sorprendió a Gertrude mientras visitaba en Inglaterra al matemático y filósofo Alfred North Whitehead, uno de los tres genios que ella confiesa haber conocido: el segundo fue Picasso y el tercero, ella misma. En cuanto pudo, regresó a París para contribuir al esfuerzo bélico. Compró un automóvil y lo convirtió en ambulancia, con la que Alice y ella recorrieron el país poniéndose a disposición de las autoridades militares para auxiliar a los heridos. 







Esa actividad no le impide seguir escribiendo: trabaja en Tender Buttons (Botones Tiernos), una colección de poemas y en una ambiciosa novela titulada The Making of Americans (La forja de los norteamericanos). 

Al finalizar la guerra el gobierno francés la condecora. Su fama, entretanto atrae a escritores jóvenes de América y de Europa, en busca de aliento e indicaciones. Así llega un día a la Rue de Fleurus el joven Ernest Hemingway, gran admirador de la escritora, quien mueve todas sus influencias para que Gertrude publique The Making of Americans. A hemingway le siguen otros autores de talento, entre ellos, Scott Fitzgerald. En 1934, el músico norteamericano Virgil Thomson compone Cuatro santos en tres actos, ópera con libreto de Gertrude. Ese mismo año publica Retratos y plegarias, y en 1938 un libro sobre Picasso. 

Ya casi es "una inmortal" a pesar de que el gran público aun no la conoce. Su influencia se hace sentir, sin embargo, a través de los mejores escritores de Europa y Estados Unidos, que se declaran discípulos de ella. Los pintores a quienes ayudó a triunfar se han convertido en clásicos. De las paredes de su casa cuelgan varios de los cuadros más importantes de la primera mitas del siglo XX. Entonces, en pleno pináculo de su fama Gertrude decide retirarse de la sociedad para terminar su obra. 

Cuando estalla la Segunda Guerra Mundial ella sigue trabajando: escribe París, France (1940) y Guerras que he visto, que se publica póstumamente. Al finalizar la contienda sigue escribiendo, porque ante todo es escritora y la palabra es su mundo. Solo deja de escribir cuando muere, en 1946, rodeada del cariño y la admiración de Europa y América. Había legado a su época y a la posteridad lo mejor de sí misma. 




jueves, 3 de diciembre de 2015

Marcel Proust

Marcel Proust (alrededor del año 1895)


Valentin Louis George Eugène Marcel Proust (o simplemente,  Marcel Proust, Auteuil, 10 de julio de 1871 - París, 18 de noviembre de 1922), fue un novelista, ensayista y crítico francés, cuya obra maestra, En busca del tiempo perdido, compuesta de 7 partes publicadas entre 1913 y 1927, constituye una de las cimas de la literatura del siglo XX, enormemente influyente tanto en el campo de la literatura, como en el de la filosofía y la teoría del arte.

Nació en una familia acomodada y cultivada, y siempre estuvieron cubiertas sus necesidades materiales durante toda su vida. Fue un niño hiperprotegido por una notoria fragilidad de salud, estado que lo acompañaría durante el resto de su vida, generalmente en forma de ataques de asma, hasta sus últimos años de encierro y su temprana muerte a los 51 años de edad.

Ya de joven comenzó a feecuentar los salones aristocráticos, lo que le permitió conocer a toda clase de literatos y artistas, y al mismo tiempo le valió una fama de snob. Se sirvió de la fortuna familiar para vivir sin trabajar y dedicarse a escribir, aunque sin ningún éxito por más de veinte años. En ese tiempo solo logró escribir una novela que jamás concluyó y que no publicó, además de artículos y traducciones que no recibieron demasiada atención. 

En 1907 comenzó lo que sería la primera parte de su gran novela y que titularía Por el camino de Swann, publicada en 1913 a cuenta del autor. La segunda parte, A la sombra de las muchachas en flor obtuvo el Premio Goncourt en 1919, primer reconocimiento de ciertaMuy enfermo, dedicó su última etapa de vida a terminar su obra maestra. Sin haberla acabado murió en noviembre de 1922 de una bronquitis mal curada. Su hermano tomaría a cargo la edición de los manuscritos que fueron apareciendo uno a uno, hasta que en 1927 se publicó el tomo séptimo y final, El tiempo recobrado

En busca del tiempo perdido es una gran reflexión sobre el tiempo, el recuerdo, el arte, las pasiones y las relaciones humanas, atravesada por un sentimiento de fracaso y el vacío de la existencia,descripciones poéticas,  animada por más de doscientos personajes, que Proust compuso cuidadosamente amalgamando en cada uno trazos de algunas de las personas que había conocido a lo largo de su vida, y fundamentalmente por el narrador , a quien seguimos en su largo recordar, desde el día en que una magdalena remojada en té reabrió inesperadamente en su memoria las puertas de un pasado lejano y olvidado, ya que poco a poco comienza a ser exhumado mediante toda clase de recursos imaginables puestos en práctica a lo largo del relato: descripciones poéticas, comparaciones y metáforas, reflexiones filosóficas y exposiciones literarias de teorías metafísicas, anécdotas, discusiones y conversaciones que entrecruzan los más variados personajes en los más diversos lugares. 

Les comparto un pequeño extracto de la película Le temps retrouvé (El tiempo recobrado, 1999), la escena de la llamada "Sonata de Vinteuil" (en realidad se trata de la Sonata para Violín y Piano en La Mayor de Cesar Frank)








Varios ejes estructuran la obra, los más destacados son:


  • El amor y los celos ilustrados especialmente enla relación entre Swann y Odette, así como en la que el narrador tiene con Albertina
  • El arte en todas sus formas: pintura, música, literatura, teatro, arquitectura, escultura
  • La condición existencial y la subjetividad esencial que la constituye
  • Las relaciones entre tiempo y memoria
  • Los distintos ámbitos y esferas sociales que contrastan entre sí, como la familia y los amigos, la ciudad y el pueblo, los salones burgueses y los aristocráticos
  • La homosexualidad, tema tratado en los personajes de Roberto de Saint-Loup, el Barón de Charlus y Carlos Morel

Proust ofrece un gran panorama de la decadencia de la nobleza francesa a finales del siglo XIX, pero también salva mediante la riqueza inaginativa de su memoria para la posteridad en ese modo de vida. También escribió Los placeres y los días (recopilación miscelánea), Jean Santeuil (novela inconclusa y póstuma, publicada en 1952), además de numerosos artículos escritos para la prensa y de una cantidad abrumadora de cartas, cuya publicación se completó en 1993. Tradujo a John Rushkin con ayuda de su madre, de excelente inglés, para la comprensión del idioma.


Luego de asistir a un pequeño curso primario, en el que tendría como compañero al hijo del compositor Georges Bizet, Jacques, de quien se haría gran amigo durante su adolescencia y el salón de cuya madre frecuentaría más adelante, inició sus estudios secundarios en 1882, en el liceo Condorcet. Aunque su asistencia al colegio sería siempre irregular, destacó en lengua y literatura. Destacó además en la clase de filosofía, uno de cuyos profesores fue Alphonse Darlu y sus composiciones llamaban la atención por sus frases extensas y acaracoladas. Asimismo entabló amistad con Ferdind Gregh y Daniel Halévy, junto a quien solía publicar en las revistas literarias del liceo.

De sus últimos años en el Liceo datan sus primeras tentativas literarias. Es en esa época cuando comienza a ganarse la reputación de sno, pues ya en 1888, a la edad de diecisiete años, comenzó a frecuentar salones parisinos, en los que entablaría relación con damas de la alta burguesía, artistas y literatos de la época. Su encanto e inteligencia le permitían hacer amistades con gran facilidad. 

Para satisfacer a su padre estudió Derecho y se recibió de abogado, pero se negó a ejercer y logró convencer a su padre de que no podría vivir de otra cosa que no fuesen las letras y la filosofía. Emprendió su Licenciatura en Letras que completaría en 1895. Durante sus estudios fue alumno, entre otros de Albert Sorel y de Henri Bergson, cuayas ideas sobre el tiempo influirían en su obra. 




La salida del Liceo Condorcet (Jean Béraud)



En 1896 publicó su primer libro: Los placeres y los días, recopilación miscelánea de poemas en prosa, nouvelles y retratos de estilo decadente, para el cual consiguió que Madeleine Lemaire lo ilustrara y que el prólogo sea escrito por Anatol France. El libro pasó desapercibido y la critica fue muy severa. 

En 1906 recibe un golpe terrible, el fallecimiento de su madre, que tan importante fue para él. Se sintió en absoluta soledad y enfermo. Se trasladó a Versalles para vivir cerca de una amiga de su madre. Se estaba gestando lo que sería una de las obras más grandes de la literatura universal.

En 1893 Proust había conocido al aristócrata Robert de Montesquiou, poeta homosexual de gran influencia en su vida y su obra. Fue también el que lo introdujo en el ambiente aristocrático (entre los años 1894 y 1900), presentándolo a salones como el de la condesa Greffule, el de la princesa de Wagram o el de la condesa de Haussonville. Fue a partir de esa nueva experiencia mundana que Proust se hizo del material y de la disposición necesaria para componer su gran obra. 

Pero ésta no comenzaría a escribirse hasta 1907, y lo que Proust produjo en esta época fue otra novela que de alguna manera anuncia En busca del tiempo perdido por su estilo, por sus temas, por el protagonista, por el afán de rescatar el tiempo pasado. pero que su autor dejara inconclusa. Se trata de Jean Santeuil, proyecto emprendido durante el verano de 1895, novela que relata la vida de un joven preso de pasiones por la literatura en el París mundano de finales del siglo XIX. La novela solo fue publicada póstumamente en 1952. 

En 1896 Proust publicó Los placeres y los días, una recopilación de poemas en prosa, retratos largos en un estilo decadente, ilustrado por Madeleine Lemaire, dueña del salón que Proust frecuentaba asiduamente junto con su amante Reynaldo Hahn, el cual contribuyó al libro con partituras compuestas por él y prólogo escrito por Anatole France. El linro le atrajo a Proust una reputación de diletante mundano que no se disiparía hasta la misma publicación de los primeros tomos de En busca del tiempo perdido. Con el paso del tiempo, además de los diferentes problemas y la vida social agitada que llevaba, continuó profundizando su pasión por la literatura, hasta que dio con la obra de un esteta inglés, John Rushkin, que cambiaría la orientación de su vida y de su carrera literaria. 





Última página manuscrita de "En busca del tiempo perdido"



John Rushkin, quien prohibió que se tradujera su obra mientras el viviera, fue descubierto por Proust a través de la lectura de artículos y de obras como la de Robert de la Sizeranne, Rushkin et la religion de la beauté (Rushkin y la religión de la belleza/hermosura). La muerte de Rushkin en 1900 fue aprovechada por Proust para iniciar la traducción de su obra. Para ese fin empendió varios pregrinajesal norte de Francia, a Amiens, y, sobre todo, a Venecia, en donde residió una temporada con su madre. Es en esta misma época cuando aparecen sus primeros artículos sobre Rushkin, publicados en La Gazette des Beaux-Arts.


Tras la muerte de sus padres, sobre todo tras la de su madre en 1905, su fragil salud se deterioró en demasía a causa del asma y de la depresión por la pérdida materna. Permaneció recluido durante quince años en París, donde hizo cubrir las paredes de corcho para aislarse de ruidos y dedicarse sin ser molestado a su obra maestra En busca del tiempo perdido. Vivía exclusivamente de noche, tomando café en grandes cantidades y casi sin comer, sin cesar nunca de escribir y de practicar sobre sus textos interminables correcciones, supresiones y añadidos de papeles que Celeste (criada de Proust en aquellos años) se encargaba de pegar en las páginas correspondientes, que podían alcanzar considerables extensiones.

Proust comenzó la obra hacia 1907. No sale de casa, trabaja durante la noche y duerme de día. En 1912 aparecieron varios fragmentos de su novela en Le Figaro, y por esta época, según sus cálculos, el libro daría dos volúmenes de setescientas páginas cada uno. Finalmente, la primera parte, Por el camino de Swann se publicó en noviembre de 1913, con dinero del bolsillo de Proust, luego de haber sido rechazada por la Nouvelle Revue Francaise, rechazo del cual fue principal responsable André Gide, quien admitiría que la declaró sin valor alguno sobre la imagen social que tenía del autor.

La constinuidad de la publicación debería esperar a raiz de la Primera Guerra Mundial (1914 - 1918). Proust sentiría ganas de ir al campo de batallas, pero su salud no se lo permitió y fue declarado inútil para el servicio , mientras que a su hermano Robert se lo ascendió a capitán y que varios de sus amigos morirían en la guerra. Mientras tanto, se dedicó por completo a su obra , rehaciéndola y alcanzando la extensión que tiene en la actualidad. 

Apenas terminada la Guerra se publicó el segundo volúmen  A la sombra de las muchachas en flor, que al año siguiente obtendría el Premio Goncourt, no sin alguna controversia debido a la desición del jurado. En 1922 se publicó Sodoma y Gomorra. En el mes de septiembre Proust sufrió de crisis asmáticas. El 10 de octubre fue la última vez que salió a la calle, y una semana después de declarársele una neumonía, el 18 de noviembre murió. Todavía habrían que pasar cinco años antes de que se terminaran de publicar las demás partes: La prisionera (1923), La fugitiva (1925) y El tiempo recobrado (1927). Muchas obras, incluida su extensa correspondencia, serían recopiladas y publicadas de manera póstuma, la última en 2012.





James Jacques Joseph Tissot The Cirle of the Rue Royal (El Círculo de la Rue Royal:): a la derecha, parado, observamos a Charles Haas (1832 - 1902), quien le sirvió de inspiración a Proust para crear a Charles Swann, uno de los tantos personajes de En busca del tiempo perdido



Uno de los fragmentos más conocidos y nombrasos en En busca del tiempo perdido, tiene lugar en la primera de las obras, Por el camino de Swann, cuando el narrador rememora recuerdos de su infancia al comer una magdalena con una taza de té, ya que asocia el sabor, la textura y el aroma de la magdalena con ese mismo estímulo vivido años atrás, en la niñez, pasados de los viajes que hacía con sus padres a la casa de la tía Leoncia. Con ello, una vulgar magdalen se ha convertido en el símbolo proustiano del poder evocador de los sentidos. Durante los siguientes seis tomos, el protagonusta priustiano se encontrará una y otra vez con esa especie de epifanía y mnemónica (técnica de memorización basada en la asociación mental de informacióna memorizar con datos que ya sean parte de nuestra menoria y/o de nuestra práctica cotidiana. Esta técnica aprovecha la capacidad que tiene nuestro cerebro para recordar imágenes y para prestarles más atención a los sucesos poco comunes o extraordinarios), que le llevará a lugares de su memoria que estarán vedados a la simple rememoración sistemática. 


Esta experiencia del "tiempo puro" configurará la estructura de la novela hasta su tomo final de El tiempo recobrado, cuando la misma experiencia de evocación de la magdalena se repita en otras formas y a partir de otros estímulos, y lleve al narrador y a los lectores al mismo instante de gestación que ha dado inicio a toda la saga.

Sus obras son las siguientes:


  • 1896: Los placeres y los días (Les plaisirs et les jours)
  • 1904: Traducción de la obra de J. Ruskin The Bible of Amiens (La Biblia de Amiens), con prefacio y notas
  • 1904: La muerte de las catedrales, artículo publicado en Le Figaro
  • 1906: Traducción de la obra de J. Rushkin Sesame and Lilies

  • 1913 - 1927: En busca del tiempo perdido (esta obra monumental está dividida en siete tomos, ellos son):
  • 1913: Por el camino de Swann
  • 1919: Por las sombras de las muchachas en flor
  • 1921 - 1922: El mundo de Guermantes I y II
  • 1922 - 1923: Sodoma y Gomorra I y II
  • 1925: La prisionera 
  • 1925: La fugitiva
  • 1927: El tiempo recobraso (estos tres últimos libros fueron editados de forma póstuma)

  • 1919: Parodias y misceláneas
  • 1927: Crónicas
  • 1952: Jean Santeuil
  • 1954: Contra Sainte-Beuve
  • 1971 - 1993: Correspondencia, recopilación en veintiún tomos por Philip Kolb
  • 2009: Chardin y Rembrandt
  • 2012: Le Mensuel retrouvé










miércoles, 23 de septiembre de 2015

Producción Musical de Johann Sebastian Bach




En la música de Johann Sebastian Bach se sintetiza toda la tradición de la música clásica europea presedente: la polifonía que iniciaron Perotín y Léonin, la música renacentista de Giovanni Pierluigi da Palestrina, el primer Barroco de Girolamo Frescobaldi y la de autores de su época como Dietrich Buxtehude y Antonio Vivaldi. De este último aprendió, copió y adaptó obras: en Weimar, y gracias al duque, pudo versionar algunas de sus obras en sus Conciertos BWV 592 - 597 y BWV 972 - 987.

Bach dominaba los dos estilos principales de su época: el francés y el italiano. Su producción está muy influenciado por el concerto italiano y la suite francesa. Sintetizó en sus obras elementos de ambos junto a rasgos autóctonos alemanes como el complejo contrapunto alemán del norte y del coral, del que hace amplio uso en sus obras religiosas. Hizo amplio uso de la técnica y formas alemanas del órgano (tocatas, preludios, fugas, corales), francesas del clave (suites, oberturas) e italianas del violín (conciertos, sonatas, sinfonías).

Escribió en casi todos los géneros y formas de su época en multitud de combinaciones instrumentales y vocales. Culminó y realizó obras detacables en todos ellos, abarcando todos los aspectos, elevando muchos de ellos al nivel superior e incluso creando géneros nuevos, como la sonata para teclado y un instrumento, con excepción de la ópera, aunque el lenguaje e influencia de la ópera seria del siglo XVIII está presente e impregna su producción vocal. 

Compuso para la mayoría de instrumentos de su época. Durante toda su vida trató de mejorar sus obras corrigiéndolas y perfeccionándolas y nunca se dejó influir por las opiniones del público. Creía que el artista podía educar al público y no aceptaba realizar piezas facilistas para lograr aceptación. 

Los cantantes se quejaban de la dificultad de su música de iglesia, sobre todo en la composición de sus coros, llenos de esplendor y solemnidad. Su manera de usar los registros era tan fuera de lo común que muchos organistas y constructores de órganos se asustaban cuando lo veían emplear los registros.









Cuando en 1747 observó los planos del nuevo teatro de la ópera de Berlín, enseguida descubrió cuanto era bueno o defectuoso con relación al efecto sonoro del recinto. Podía tocar un mismo tema en el órgano, sin parar, convirtiéndolo en un preludio, luego en una fuga, luego en un trío, o en un cuarteto, e incluso lo podía convertir en un coral de tres a cuatro voces, sin abandonar el mismo tema. 

Componía sus obras con un estilo totalmente puro y cada pieza tiene un completa unidad de carácter, con ritmo, melodía y armonía propios.  Su método procedía progresivamente, paso a paso, de lo más fácil a lo más difícil. Bach nunca escribió nada teórico sobre música, su enseñanza solo llegó a la posteridad a través de sus discípulos.

La obra de Bach, al igual que la de Ludwig van Beethoven, se puede dividir en tres grandes períodos bien diferenciados, marcados por las influencias y la asimilación de los estilos de su época, desarrollo, búsqueda y la evolución de su estilo personal, que en los años 1713 y 1739 - 1740 son capitales para la evolución de su estilo. 

El primer período, de aprendizaje y estudio se extiende entre 1700 a 1713. Es un período en el que Bach se centra en el clave y el órgano, así como en cantatas sacras, asimila y supera la música alemana del siglo XVII y principios del XVIII en el ámbito instrumental y vocal religioso.

El período de maestría comienza en 1713 en la ciudad de Weimar y se xtiende hasta 1740 en Leipzig. En este período es influido por la música italiana de finales del siglo XVII y primer cuarto del siglo XVIII, cuando, combinando la claridad melódica y el dinamismo rítmico del estilo italiano y la sobriedad, el contrapunto complejo y la textura interna del estilo alemán, logra finalmente encontrar su estilo personal y totalmente inconfundible, adaptable a todos los géneros y formas de su tiempo








El último período se extiende desde 1739 hasta su muerte en 1750. Es la época en la que compuso El arte de la fuga. Durante este último período se centra en la música instrumental. Su estilo personal se vuelve más contrapuntístico con una leve influencia de la nueva música galante naciente en aquella época.

La música vocal de Bach está compuesta de 525 obras, aunque solo se han conservado 482 de ellas de manera totalmente completa. Toda su música vocal es semirreligiosa y está compuesta en el seno de la Iglesia Luterana alemana. 

La gran mayoría de su música vocal fue compuesta en Leipzig entre 1723 y 1741. Entre su música coral hay que destacar asimismo sus preludios corales, todas ellas para órgano. El Pequeño libro para órgano comprende pequeños preludios corales, destinados a fines educativos. 

De la música instrumental de Bach se conservan 227 piezas para órgano, 189 piezas para clavecémbalo, 20 para instrumentos a solo, 16 para cámara, 30 orquestales y 18 especultivas. Su música instrumental se divide en tres grandes grupos, según la formación de los instrumentos que intervengan y las características musicales de cada género u obra. En total son 494 obras completas. Todas ellas compuestas para una amplia gama de instrumentos de su época, desde los más modernos, como la flauta traversa, hasta los que estaban en su cenit, como el laud, la viola da gamba o el clavecín, o incluso con instrumentos que quedaron como una curiosidad, como el laúd-clave, un híbrido del clavecín y el laúd. Aunque toda su obra está destinada básicamente para siete instruentos: el órgano, el clavecín, las cuerdas, el violín y las flautas (dulce y traversa), la voz humana y el coro. Otros instruentos de menor importancia, como la trompeta, el laúd, el fagot, la trompa, el timbal o el oboe son testimoniales , estando destinadas a un número reducido de obras. 

Toda la música instruental, excepto los corales para órgano, es profana, y mucha de ella, especialmente la destinada al teclado de carácter didáctico, como El clave bien temperado y la serie de las suites inglesas y francesas de dicha serie que fue compuesta por Bach para enseñar el arte de componer a su hijo Wilhelm Friedemann Bach.









El órgano y el clavecín ocupan un papel central en la obra de Bach con más de 400 obras destinadas a ellos, aparte de ser el sostén como bajo continuo de las obras oequestales, las cantatas, las misas, las pasiones y algunas obras de cámara. Estos dos instrumentos tienen un papel fundamental como solistas o acompañantes de las sinfonías y arias de las cantatas, las sonatas para teclado y un instrumento solista monódico, y los conciertos para cuerdas y uno, dos, tres o cuatro teclados. 

Su aporte a la literatura, avances técnicos y de interpretación, evolución e historia de estos dos instrumentos fue capital, explotando al límite sus capacidades, haciendo sonidos y efectos nunca antes vistos, investigando y mejorando los recursos, la ejecución, haciendo una demostración sobre las 24 tonalidades mayores y menores en El clave bien temperado BWV 846-893, llevando al centit las posibilidades que podían ofrecer estos dos instrumentos hasta entonces. 

La familia de las cuerdas, compuesta en la primera mitas del siglo XVIII por el violín, violín piccolo, viola, viola de gamba, violoncello y contrabajo, son el sostén armónico y melódico de la música del Barroco. Los instruemento más graves cumplen la función de bajo continuo junto al teclado.

Bach era un excelente organista, clavecinista, violinista y violista. No tocó la viola da gamba, pero era aficionado a factores de esos instrumentos, por lo que conocía con exactitud las características, las virtudes, los defectos y las limitaciones de estos instrumentos, sacando el máximo rendimiento y explotación de sus obras, donde la dificultad técnica y la belleza brillan en todo su esplendor.

Bach tuvo numerosos alumnos y estudiantes a lo largo de su vida, entre ellos se cuenta a Johann Christoph Altnickol, yerno suyo, que en los últimos años del maestro fue copista de sus obras, además de ayudarlo en la redacción de sus últimas composiciones









En su vejez, cuando la gente se refería al apellido Bach se refería generalmente a Carl Philipp Emanuel Bach, uno de sus hijos. En las generaciones posteriores a Bach , solo algunos compositores y músicos conocían su obra, como sus hijos y algunos de sus alumnos. Gracias a ellos su producción musical no cayó en el olvido, mientras que el resto del mundo no tardaría muchos años en olvidarlo después de su muerte, en pleno siglo XVIII. 

A finales del siglo XVIII y comienzos del siglo XIX, Bach era ampliamente reconocido por su obra para teclado . Músicos célebres como Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Felix Mendellsohn, Robert Schumann o Frédéric Chopin estaban entre sus más destacados admiradores y tuvieron un gran aprecio por las obras que conocieron de Bach.

La reputación de Bach entre el público mejoró en parte gracias a la biografía del compositor que realizó Johann Nikolaus Forkel en 1802. Felicx Mendelssohn contribuyó de manera efectiva en lsan Mateoa recuperación de la reputación de Bach con su representación de La Pasión según San Mateo el 11 de marzo de 1829 en Berlín. En 1850 fue fundada la Bach Gesellschaft (Sociedad Bach) para promover las obras del compositor: en 1899 la Sociedad publicó una edición completa del compositor con poca intervención editorial

La falta de material impreso impidió una mayor difusión de su obra. Solo se publicaron tiradas muy reducidas de algunas obras instrumentales para órgano y clave. Muchas de sus obras fueron compuestas para eventos determinados, interpretándose en muy contadas ocasiones.








De la única pieza que existían muchas copias manuscritas era de El clave bien temperado, incluso Beethoven tenía una copia a los once años. Mozart lo conocía por haber escuchado hablar de su obra, pero nunca había visto nada suyo impreso. Una vez que escuchó un coro que lo cantaba quedó tan impresionado que pidió ver sus partituras pero estas no existían.

En 1844 se hizo la primera interpretación moderna del Oratorio de NavidadBWV 248. En 1811 se halló una cantata inédita que se cataloga como BWV 199. En 1924 se descubrió un fragmento de cantata, catalogada como BWV 200. En 1895 se encontró un manuscrito en Halle conteniendo los corales BWV 1090 - 1120, inéditas hasta entonces. En 2005 se halló un manuscrito que contiene un aria vocal enumerada como BWV 1127.

Johann Sebastian Bach es uno de los compositores más comocidos de la música clásica. Su imagen ha sido utilizada en diversos formatos artísticos y de otra índole como pósters, caricaturas y postales. Se han emitido sellos postales y otros documentos filatélicos y numismáticos en numerosos países del mundo, en muchos casos para conmemorar los aniversarios de su nacimiento y muerte. 

En Alemania durante el siglo XX muchas calles fueron nombradas en su honor. Además se erigieron estatuas y placas conmemorativas en diversos países del mundo, incluyendo a Alemania, Bélgica, Canadá, China, Finlandia, Francia, Países Bajos, Irlanda, España, Reino Unido y Estados Unidos. 

Su música ha sido incluida tres veces en el Disco de Oro de las Voyager, una grabación fonográfica que contiene un amplio conjunto de imágenes, sonidos comunes, lenguajes y música de la Tierra, enviadas al espacio exterior con las sondas espaciales Voyager. El asteriode 1814 Bach, descubierto el 9 de octubre de 1931 por Karl Wilhelm Reinmuth, recibe su nombre en honor al compositor. 





martes, 1 de septiembre de 2015

La obra de Lope de Vega




Félix Lope de Vega y Carpio (Madrid, 25 de noviembre de 1562 - Madrid, 27 de agosto de 1635) fue uno de los más importantes poetas y dramaturgos del Siglo de Oro Español y, por la extensión de su obra, uno de los más prolíficos autores de la literatura universal.

El llamado Fénix de los Ingenios y Monstruo de la Naturaleza renovó las fórmulas del teatro español en un momento en que el teatro comenzaba a ser un fenómeno cultural de masas. Máximo exponente, junto a Tirso de Molina y Calderón de la Barca del teatro barroco español, sus obras siguen representándose en la actualidad y constituyen una de las más altas cotas alcanzadas en la literatura y las artes españolas. Fue también uno de los grandes líricos de la lengua castellana y autor de varias novelas y obras narrativas largas en prosa y en verso.

Se le atribuyen unos 3000 sonetos, tres novelas, cuatro novelas cortas, nueve epopeyas, tres poemas didácticos y varios centenares de comedias. Amigo de Quevedo y Juan Ruiz de Alarcón, enemistado con Góngora y larga rivalidad con Cervantes, su vida fue tan extrema como su obra. 

El Monstruo de la Naturaleza fue, en el Siglo de Oro, Lope de Vega, autor de alrededor de 1500 obras teatrales, novelas, poemas épicos y narrativos y varias colecciones de poesía lírica profana, religiosa y humorística. Destacó como maestro del soneto. Su aportación al teatro universal fue principalmente una portentosa imaginación, de la que se aprovecharon sus contemporáneos y sucesores extrayendo temas, argumentos, motivos y toda suerte de inspiración. Su teatro rompe con las unidades de acción, lugar y tiempo y también con la de estilo, mezclando lo trágico con lo cómico. 

Lope de Vega creó el teatro clásico del Siglo de Oro con una novedosa fórmula dramática, mezclando lo trágico y lo cómico y rompía con las tres unidades de la escuela de poética italiana: unidad de acción (una sola historia), unidad de tiempo (en 24 horas) y unidad de lugar (la acción debía transcurrir en un solo lugar o en lugares aledaños al principal).






Tampoco respeta una cuarta unidad, denominada unidad de estilo, esbozada en Aristóteles. Lope de Vega mezcla lo trágico con lo cómico y se vale del teatro polimétrico, utilizando distintos tipos de verso y estrofa según el fondo de lo que se está representando. 

Por otro lado domina el tema de la acción y la acción sobre la caracterización. Los tres temas principales de sus obras son el amor, la fe y el honor y se encuentra entreverado de hermosos intermedios líricos, muchos de ellos de origen popular. Se escogen los temas relacionados con la honra y se rehúye la sátira demasiado cuidada.

Las obras dramáticas fueron compuestas solo para la escena y el autor no se reservaba ninguna copia. El ejemplar sufría los cortes, adecuaciones, ampliaciones y retoques de los actores, algunosde ellos también escritores de comedias. 

Entre 1604 y 1647 se publican veinticinco tomos de Partes que recopilan las comedias de Lope de Vega, aunque los primeros salieron a la luz sin e consentimiento del dramaturgo. Comenzó a tomar las riendas de la edición de sus propias obras a partir de la Parte IX (1617) hasta su muerte, momento en el que se encontraba imprimiendo las partes XXI y XXII. Juan Pérez de Montalbán, escritor de comedias y discípulo suyo afirma que escribió unas 1800 comedias y cuatrocientos autos sacramentales, de los que se han perdido una gran parte. El propio autor fue más modesto y en sus obras estimó que había escrito unas mil quinientas, lo que puede entenderse incluyendo los autos sacramentales y otras obras escénicas. 

La lista de comedias notables es muy crecida. Pueden citarse La discreta enamorada, El acerco de Madrid, El bobo del colegio, El amor enamorado, Las bizzarías de Elisa, La malcasada, La esclava de su galán, La niña de plata, El arenal de Sevilla, Lo cierto por lo dudoso, La hermosa fea, Los milagros del desprecio, El anzuelo de Fenisa, El rufián Castrucho, El halcón de Federico, La doncella Teodor, La difunta pleiteada, La desdichada Estefanía o El rey Don Pedro en Madrid.






Lope de Vega concibe sus comedias para ser representadas. Como escritor polifacético cultiva prácticamente todos los géneros de escritura habituales de su época, excepto la novela picaresca. Publica una extensa narración en prosa con versos intercalados, La Arcadia (1598), que pertenece al género de los libros de pastores entonces en boga. También edita dos poemas épicos, el primero sobre Sir Francis Drake, titulado La Dragoneta (1598), y el segundo sobre un labrador madrileño, luego convertido en santo, que publica al año siguiente, Isidro (1599). Publica también una recopilación de sonetos, las Rimas (1602), en las que incluye su poema La hermosura de Angélica, suprimida luego en sucesivas ediciones del poemario. 

Durante el Renacimiento predominaron las formas literarias clásicas, según las ideas de Aristóteles y Horacio. El temperamento de Lope fue demasiado rebelde como para sujetarse a las normas de la perspectiva clásica. 

Lope expuso su concepto renovador del teatro en el Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609), un tratado en verso, que pronto se convirtió en el libro de cabecera para todos los dramaturgos españoles.

Entre las novedades propuestas por Lope de Vega podemos citar:


  • Fusión de lo trágico y lo cómico, categoría que la perspectiva clásica prohibía mezclar en una misma obra. El resultado es una tragicomedia, término que ya había utilizado Fernando de Rojas en La Celestina
  • No respetar las unidades clásicas de lugar, tiempo y acción
  • División de la obra en tres jornales (o actos)
  • Polimetría: la variedad métrica rompe la monotonía expresiva. Todas las comedias son en verso pues facilitan la memorización. Idéntica finalidad de entretener al público tiene la intercalación de letrillas cantadas y bailes extraidos frecuentemente del acervo popular y conocidas por los espectadores
  • Adecuación del verso al contenido. Las formas métricas han de ajustarse al desarrollo del argumento y a las distintas situaciones. Así es que:
  1. El Romance es utilizado para la narración de hechos que no suceden en escena y que cuenta un personaje
  2. La Octava se emplea cuando la narración se refiere a hechos solemnes
  3. El Soneto se utiliza para las situaciones de doledad (monólogos, etc)
  4. El Terceto es la forma métrica apropiada para la relación de hechos solemnes
  5. La Redondilla se utiliza en los diálogos de tipo amoroso





  • Preferencia por el tema de la honra. Según el autor, los casos relativos a la honra eran los que más interesaban entonces al público, pues eran los que provocaban un mayor conflicto dramático. Otro tema fundamental es el del amor, que suele aparecer como fuerza misteriosa y fatal que arrasa a los personajes, sea a su salvación o bien a su perdición
  • Personajes tipificados. Son personajes que carecen de complejidad psicológica que se comportan como personajes tipo, cuyas actitudes y reacciones son facilmente previsibles. Los más frecuentes son el galán (generalmente villano), guapo y valiente, la dama, hermosa y enamoradiza, el barba, que puede ser un viejo o el mismo Rey, con la función de poderoso que soluciona el conflicto, el antagonista, personaje opuesto al galán, la criada, acompañante y confidente de la dama, el criado, confidente del galán y que suele desempeñar la función del gracioso. Este último tiene diversas funciones: sirve para crear momentos cómicos que rebajen la tensión dramática, es un contrapunto cómico o irónico de su señor al que a veces parodia, , desempeña el cometido de narrador de sucesos no escenificados , tiene a veces, una función distanciadora al advertir al público con su actuación, de lo que allí ve es, en esencia literatura y no tanto realidad. Se trata de una genuina creación de Lope de Vega. Sus raíces se encuentran en el teatro español, aunque se convirtió, gracias al ingenio de su autor, en un personaje inteligente e ingenioso
  • Uso de elementos de carácter lírico procedentes de la poesía tradicional española: la importancia de las canciones tradicionales en sus comedias cumple un papel tanto desde el punto de vista dramático-argumental como desde el escénico y suelen ser la base estructural y argumental en la que se apoya la totalidad de la obra
  • El lenguaje de sus comedias se ajustan al gusto variado del público. Se evita la expresión culterana y no se abusa de alusiones bíblicas, mitológicas o literarias. Se trata del denominado decoro poético. 
  • Los elementos escénicos y visuales en la representación de las comedias son de suma importancia. El vestuario tenía que ser adecuado a las características de los personajes. Las escenas podían ser exteriores o interiores y el decorado lo suficientemente minucioso. Los accesorios ecénicos podían ser a veces complejos. La música era utilizada y con ellas canciones populares tradicionales o imitaciones de éstas últimas.

La producción literaria de Lope de Vega es extensísima, es por ello, que solo mencionaré sus obras más conocidas. 


Obras Líricas:

  • Romancero General (1600)
  • La hermosura de Angélica con otras diversas rimas (1602)
  • Rimas (1604, 1609 añadida con El Arte nuevo de hacer comedias)
  • Cuatro soliloquios (1612, poesía religiosa)
  • Rimas sacras (1614)
  • Romancero espiritual (1619)
  • Justa poética en honor de san Isidro (prosas y versos, (1620)
  • La Filomena con otras diversas rimas, prosas y versos (1621)
  • Fiestas en la canonización de San Isidro (prosas y versos, 1622)
  • La Circe con otras rimas y prosas (1624)
  • Triunfos divinos con otras rimas (1625)
  • Soliloquios amorosos (prosas y versos, 1629)
  • Laurel de Apolo (1630)
  • Amarilis (égloga, 1633)
  • Rimas humanas y divinas del licenciado Tomé de Burguillos (1634)
  • Filis (égloga, 1635)
  • La Vega del Parnaso (obras póstumas misceláneas con predominoo de poesía lírica, 1637)

Obras Épicas

  • La Dragoneta (epopeya histórica, 1598)
  • Isidro (epopeya hagiográfica, 1599)
  • Fiestas de Denia (1599)
  • La hermosura de Angélica con otras diversas rimas (1602)
  • La Jersusalém conquistada (1609)
  • Corona trágica (1627)
  • La Gatomacquia (epopeya burlesca, 1634)

Novela bizantina

  • El peregrino en su patria (1604)

Novela Pastoril

  • La Arcadia (1598)
  • Padtores de Belén (novela pastoria a lo divino, 1612)

Novela Celestiana

  • La Dorotea (1632)







Obras teatrales de Lope de Vega


Comedia de Capa y Espada


  • Las ferias de Madrid (comedia picaresca, 1585 - 1588)
  • El caballero del milagro (1593)
  • La viuda valenciana (1595 - 1600)
  • El vaquero de la Moraña (comedia y drama histórico, 1599 - 1603)
  • El sufrimiento premiado (1603)
  • La prueba de los amigos (1604)
  • La noche toledana (1605)
  • En anzuelo de Fenisa (, comedia picaresca, 1606)
  • La discreta enamorada (1606)
  • El acero de Madrid (1608)
  • Los melindres de Belisa (1608)
  • La niña de plata (1610 - 1612)
  • Servir al señor discreto (1610 - 1612)
  • La dama boba (1613)
  • La malcasada (1615)
  • Santiago el verde (1615)
  • El sembrar en buena tierra (1616)
  • La moza del cántaro (1618)
  • La cortesía de España (1619)
  • Quien todo lo quiere (1620)
  • Los locos de Valencia (1620)
  • Amar sin saber a quien (1620 - 1622)
  • ¡Ay verdades que en amor! (1626)
  • La noche de San Juan (1631)
  • Las bizarías de Belisa (1634)

Comedias Palatinas

  • Los embustes de Fabia (de historia antigua, 1588 - 1595)
  • Los donaires de Matico (1596)
  • La quinta de Florencia (drama palatino, 1600)
  • La discordia en los casados (1611)
  • El perro del hortelano (1613)
  • El valor de las mujeres (1616)
  • Amor, pleito y desafío (1621)
  • Los Tellos de Meneses (1620 - 1628)
  • La hermosa fea (1630 - 1632)

Pastoriles

  • Belardo el furioso (1586 - 1595)
  • El verdadero amante (1588 - 1595)
  • La Arcadia (1615)

Caballerescos

  • Los celos de Rodamonte (antes de 1596)
  • El marqués de Mantua (1596)
  • Las mocedades de Roldán (1599 - 1603)






Bíblicas

  • La historia de Tobías (1609)
  • La hermosa Ester (1610)
  • El robo de Dina (1615 - 1622)
  • Los trabajos de Jacob/Sueños hay que verdad (o verdades) son, 1620 - 1630)

De Santos

  • Lo fingido verdadero (1608)
  • La buena guarda (1610)
  • El divino africano (1610)

Mitológicas, cortesanas y zarzuelas

  • Adonis y Venus (1597 - 1603)
  • El laberinto de Creta (1610 - 1615)
  • La fábula de Perseo o la bella Andrómeda (1611 - 1615)
  • El marido más firme (1620)
  • El velloncino de oro (1622)
  • La selva sin amor (1629)
  • El amor enamorado (1630)

Tragedias y dramas históricos

  • Los comendadores de Córdoba (1596)
  • El remedio en la desdicha (drama morisco, 1596)
  • Vida y muerte del rey Bamba (1598)
  • Roma abrasada (1598 - 1600)
  • El postrer gordo de España (1600)
  • La imperial de Otón (1600)
  • El castigo del discreto (alrededor de 1600)
  • El gran duque de Moscovia (1606)
  • Peribáñez y el comendador de Ocaña (1605 - 1608)
  • El duque en Viseo (1609)
  • El villano en su rincón (1611)
  • Los ponces de Barcelona (1610 - 1612)
  • El bastardo Mudarra (1612)
  • La locura por la honra (1612)
  • Las paces de los reyes y judía de Toledo (1612)
  • Fuentreovejuna (1614)
  • La discreta venganza (1620)
  • El mejor alcalde, el rey (1620 - 1623)
  • El caballero de Olmedo (1620 - 1625)
  • Porfiar hasta morir (1628)
  • Contra valor no hay desdicha (1625 - 1630)
  • El castigo sin venganza (1631)

Autos sacramentales

  • La adúltera perdonada (1608)
  • El pastor lobo y cabaña celestial
  • La venta de la zarzuela
  • La siega